Conforto e perturbação

Foto: Lalla Essaydi

O regresso a Washington; o reencontro com os colegas do fellowship e com a equipa do Kennedy Center; os novos fellows que se juntam a nós este ano; a primeira semana de seminários, trabalhos, apresentações; os primeiros museus e espectáculos; a celebração do 4 de Julho; as conversas, as intermináveis conversas, sobre a história que se está a escrever nos países de alguns dos nossos colegas… Uma inundação de pensamentos e sentimentos.

Os primeiros seminários lembraram-nos da clareza da missão do Kennedy Center e da forma disciplinada como esta equipa funciona. Disciplinada no sentido de concentrada, focada, organizada, esclarecida quanto ao caminho que está a seguir e o onde pretende chegar. E não pude evitar de me sentir novamente surpreendida pelo facto de todos os seus membros falarem ‘a mesma língua’, algo que nunca tinha visto acontecer na prática antes de chegar ao Kennedy Center e não voltei a ver depois. Não há ‘desvios’ (o que não significa que não haja discordâncias), a missão é concreta e todos sabem o que têm que fazer para contribuir para o seu cumprimento. Não é fácil isto acontecer, mas também não é impossível. É preciso uma liderança forte, consciente e esclarecida sobre a sua visão; é preciso bons técnicos à volta do líder; é preciso perseverança, rigor e disciplina; é preciso trabalho, muito trabalho; e é preciso conversa, muita conversa, como diria Michael Kaiser.

Este ano juntam-se a nós fellows de Oman, Singapura, Austrália, Zimbabwe, Bósnia, Albânia. Irlanda, Inglaterra e Colômbia. Cada um representa um caso particular dentro da área da gestão cultural: instituições financiadas por governos, outras privadas, projectos particulares, instituições que atribuem financiamento a projectos culturais. Cada caso enfrenta desafios muito específicos, mas há outros, comuns quase a todos: a preocupação relativamente ao financiamento e a sustentabilidade; a falta de políticas culturais nos países de origem; a falta de planeamento; os públicos e os seus gostos e necessidades; os desafios sociais e tecnológicos. Ao mesmo tempo que vamos conhecendo estes novos colegas, é com muito prazer e satisfação que descobrimos os progressos que alguns dos colegas antigos fizeram no último ano; as pequenas ou grandes mudanças que conseguiram introduzir nas suas instituições, resultado do que se aprende no Kennedy Center e, igualmente, através dos colegas do fellowship, gestores culturais experientes, empreendedores, inteligentes, informados, preocupados. É um enorme desafio estar na companhia deles.

As preocupações dos nossos colegas egípcios relativamente ao seu novo presidente (membro da Irmandade Muçulmana) e a postura que vai adoptar perante a cultura e as artes têm sido frequentemente objecto de conversas. Olho para estas pessoas: corajosas, determinadas, sensíveis, cheias de sonhos e de vontade de criar e de ter um impacto na sua sociedade (por via da cultura e das artes), pessoas que lutam pela democracia, que valorizam a sua liberdade e que revelam, ao mesmo tempo, alguma ansiedade relativamente ao que poderá vir a ser o resultado desta luta. Penso novamente no texto de Marta Porto Imaginário, um espaço para pensar a democracia, que foi aqui publicado na semana passada. Penso novamente no debate entre Pensadores do Norte de África (em francês) que o Programa Próximo Futuro organizou no fim do mês passado. E penso em todos nós, que assumimos, entre outros, também o papel de guardião dos valores democráticos. E questiono-me: O que aconteceu à nossa democracia? O que nos aconteceu a nós? Que uso damos à nossa liberdade? O que significa o facto de termos abdicado do direito e da obrigação de nos envolvermos nos assuntos do colectivo (os gregos antigos chamavam a quem não se envolvia nos assuntos da cidade “idiota”, que na altura tinha o significado de uma pessoa “privada”)? Ou o facto de lutarmos por ideais e convicções, mas de nos remetermos a um silêncio estratégico quando esses ideais são violados por gente de quem poderemos vir a precisar? Ou o facto de nos considerarmos intocáveis e unaccountable^* quando ocupamos lugares de chefia (a qualquer nível)? A cultura alimenta mentes sensíveis e críticas, cultiva valores, mas pouco acontece se não houver um bom fertilizador, ou seja, honestidade intelectual e consciência das responsabilidades, pessoais e colectivas.

“As artes devem confortar o perturbado e perturbar quem se sente confortável”, citou um fellow na sua apresentação. E eu tive momentos lindíssimos de conforto e de perturbação na semana que passou. No Domingo, visitei a exposição Revisions de Lalla Essaydi no National Museum of African Art. Essaydi projecta no corpo feminino as suas reflexões sobre questões de género, cultura e religião. A exposição inclui fotografias, pinturas e instalações; imagens belas, refrescantes, provocadoras, sensuais. Na quinta-feira estreou no Kennedy Center Giselle, com o Ballet de l´Opéra National de Paris, que está em digressão nos EUA. Há muitos anos que não via este bailado. O segundo acto foi de uma beleza indescritível.

*Accountability significa que quem desempenha funções de importância na sociedade deve regularmente explicar o que anda a fazer, como faz, por que faz, quanto gasta e o que vai fazer a seguir. Não se trata, portanto, apenas de prestar contas em termos quantitativos, mas de auto-avaliar a obra feita, de dar a conhecer o que se conseguiu e de justificar aquilo em que se falhou. (Fonte: Wikipedia)

Blogger convidado: "Imaginário, um espaço para pensar a democracia", por Marta Porto (Brasil)

O meu primeiro ‘encontro’ com Marta Porto foi a nota que colocou no Facebook a propósito da sua demissão de Secretária de Cidadania e Diversidade Cultural do Ministério da Cultura do Brasil. Foi claro para mim naquela nota que o Ministério tinha acabado de perder uma excelente profissional, uma pessoa com sentido de missão e de responsabilidade, uma pessoa com ideias claras sobre o lugar da cultura na sociedade. A partir daí comecei a ‘seguí-la’ e tenho lido vários dos seus artigos e entrevistas. É um grande prazer poder publicar aqui um ensaio que vai integrar o novo livro desta “activista cultural”, sobre política cultural. mv

Foto: Bebeto Alves

A democracia é um valor? Essa talvez seja a pergunta mais importante para começar a falar de cultura e democracia. Há na sociedade, a percepção de que igualdade, liberdade e participação no poder são valores válidos? Que definem direitos que devem ser batalhados? O que se entende por igualdade, liberdade e participação no poder em uma sociedade desigual e hierarquizada? Se partirmos do princípio que para sustentar a democracia, não só como regime de governo, mas como regime político reconhecido e legitimado por seus cidadãos, é necessário que ela se construa como valor, como cultura capaz de reconhecer e fazer cumprir os direitos de cidadania, podemos sugerir que a cultura, ou melhor, as políticas que lhe dão corpo, devem priorizar a construção de um imaginário social de entendimento, crítica e luta por fazer valer os ideias democráticos. Estimular mentalidades sensíveis e capazes de estruturar sociedades onde o cumprimento de direitos não é ato de misericórdia, mas ato consciente que responde a um imperativo democrático.

Entrar na rotina dos cidadãos que criam formas de se relacionar nas cidades a partir dos valores e crenças que legitimam. O que um comportamento violento no transito, nas ruas, entre homens, mulheres e crianças nos diz? Ou a falta de controle social que institui uma cidade que é mais a soma de individualidades, com toda a arrogância de impor desejos e necessidades imediatos - como o parar em fila dupla, passar o sinal vermelho porque “afinal eu estou com pressa”, tocar música no último volume ou falar no celular em altos brados quando se está em lugares fechados e cheio de estranhos, ou no sentido mais grave matar porque fomos abandonados por quem um dia nos amou, ou torturar por puro esporte, psicopatia ou desejo de humilhar- formas e jeitos de promover ou não a dita alteridade, essa qualidade necessária para se estabelecer o direito como pilar de uma sociedade. Quando os exemplos são exceções podemos falar de falta ou necessidade de educação, quando são maioria, de cultura social, de um imaginário de como nos manifestamos, percebemos e agimos como corpo social.

Aí entra um dos principais eixos do trabalho da cultura, e sublinho, não das artes em si, mas da política cultural pensada como eixo da democracia, da formação cidadã, da colaboração para fundar um imaginário social que legitime os pilares democráticos, pois sem eles há progresso econômico, melhorias urbanas, consumo maior, mas as cidades, espaço de encontros e convivência, permanece como território de disputas e de quem leva a melhor, a famosa lógica dos vencedores que ainda e infelizmente vigora há muito nesse país. É o campo dos valores de cidadania, onde se aposta que há crenças comuns - respeito a dignidade humana, a solidariedade, resistência pacífica, a não- discriminação - que valem a pena lutar, pois é onde a sociedade pode projetar o seu futuro ao mesmo tempo que ela constrói e tensiona o presente. Esses valores partem da ideia de senso comum, de ethos, algo que todos compartilham se reconhecemos o valor da democracia. Pois, não há democracia sem valores.

Nesse sentido, a cultura nos obriga a sair da lógica pura da vulnerabilidade, implicando o cidadão comum nos problemas do país e do planeta e ajudando a forjar uma mudança para a sociedade como um todo. E é justamente nesse ponto estratégico que está a especificidade do campo cultural: a política de cultura pode contribuir para o impulso a uma agenda de cidadania contemporânea que incorpore as mudanças em curso na sociedade e as exigências das novas gerações de brasileiros.

(escrito em português do Brasil)

Marta Porto é jornalista, especialista em políticas de comunicação, arte e cultura, curadora de espaços, exposições e projetos artísticos, conferencista e ensaísta da cultura com atuação internacional. Lidera, assessora e apoia políticas e programas de organizações internacionais, governos, empresas e instituições como escolas e espaços culturais para atender objetivos que vão da melhoria de processos de gestão, governança, aprendizado e apropriação de conhecimento até a disseminação de valores éticos e humanísticos. Em 2004, foi co-fundadora da primeira empresa brasileira especializada em “comunicação por causas”, a Xbrasil, onde a atualmente lidera o Núcleo de Estratégia. Esteve a frente de instituições e órgãos de governo,  onde se destacam a Secretaria de Cidadania e Diversidade Cultural do Ministério da Cultura (2011), a Coordenação Regional da UNESCO no Rio de Janeiro (1999-2003), a Diretoria de Planejamento e Coordenação da Secretaria Municipal de Cultura de Belo Horizonte (1994-1996). 

Tal como no futebol

(Foto retirada de Page3Sportz)

Não sou fã do futebol. Não porque acho que é o “ópio do povo” ou porque acho que está a tirar dinheiro à cultura… Simplesmente, não tenho paciência suficiente. E muito frequentemente as enormes quantias de dinheiro para a transferência de jogadores deixam-me profundamente indignada; acho um enorme exagero, uma provocação. Mesmo assim, confesso que em 2004 (e peço desculpa aos meus amigos portugueses por estar a lembrar-lhes desse momento difícil na nossa relação) vi todos os jogos a partir dos quartos de final. Era impossível resistir ao sentimento geral de expectativa e entusiasmo. E ainda me lembro do momento em que gritei “Golo!!!” na final, quando toda a vizinhança ficou de repente num silêncio de morte.

Penso frequentemente naquilo que faz as pessoas em todo o mundo, de diferentes backgrounds, vibrarem com o futebol; naquilo que, em certos momentos, faz com que, até aqueles moderadamente interessados ou totalmente desinteressados, sejam incapazes de o ignorar. Penso que sejam vários factores – tanto intrínsecos como desenvolvidos pelos clubes e as federações – e que o sector cultural poderia descobrir aqui algumas lições.

O futebol é emoção, excitação, entusiasmo, expectativa, prazer, alegria, orgulho, dor, satisfação, desilusão.

O futebol é também identidade, um sentimento de pertença, de fazer parte de uma comunidade que apoia os mesmos objectivos, onde todos os membros juntos celebram vitórias e sofrem pelas derrotas.

O futebol é ainda partilha e tolerância. Não se convive apenas dentro da comunidade, mas o gosto, a alegria e o prazer são celebrados juntamente com membros de outras comunidades, “adversárias”. 

Estas são algumas das características e dos valores intrínsecos do futebol que o tornam importante na vida das pessoas (existem igualmente outras características, totalmente contrárias a estas, mas aqui interessam-nos as boas lições). É precisamente sobre estas características e valores que os clubes e as federações constroem a sua ‘oferta colateral’, procurando fortalecê-los e criar uma extensa família de fãs, um dos pilares da sua sustentabilidade, tanto pelo seu apoio financeiro directo, como porque atraem patrocínios. Gostaria de me concentrar aqui em dois pontos que me parecem relevantes para esta discussão:

- Os clubes de futebol envolvem as pessoas partilhando extensivamente e permanentemente, através dos seus próprios canais e também dos media oficiais, notícias sobre a sua vida do dia-a-dia: treinos e jogos, análises de decisões estratégicas, objectivos, transferências, lesões, questões de gestão, eventos sociais, trabalho comunitário, etc. Partilham ainda os seus sentimentos, medos, esperanças, preocupações, expectativas, desejos e sonhos.

- Os clubes de futebol envolvem ainda as pessoas através das assinaturas, oferecendo benefícios (em geral, alguns descontos), mas também concedendo-lhes o direito de voto, partilhando, assim, com elas a responsabilidade pela gestão e o futuro do clube. Assim, os sócios desenvolvem um sentimento de propriedade, as direcções dos clubes tornam-se accountable (explicam o que andam a fazer, como o fazem, porquê, quanto gastam e o que vão fazer a seguir, dão a conhecer o que se conseguiu e justificam aquilo em que se falhou) e os sócios esperam que o sejam, exercendo frequentemente o seu direito de as questionar e sendo até capazes de forçar demissões.

(Photo taken from FanIQ)

Poderia agora recomeçar e dizer:

A cultura é emoção, excitação, entusiasmo, expectativa, prazer, alegria, orgulho, dor, satisfação, desilusão.

A cultura é também identidade, um sentimento de pertença, de fazer parte de uma comunidade que apoia os mesmos objectivos, onde todos os membros juntos celebram vitórias e sofrem pelas derrotas.

A cultura é ainda partilha e tolerância. Não se convive apenas dentro da comunidade, mas o gosto, a alegria e o prazer são celebrados juntamente com membros de outras comunidades. 

A cultura é tudo isto e muito mais. Estes e muitos outros são os seus valores intrínsecos. Nós sabemo-lo. Outras pessoas (o chamado “público em geral”) também o sabem. Sobretudo quando falamos com todos sobre a cultura em termos que cada um entenda. Porque nesse caso quase todos se apercebem que, de uma forma ou de outra, cada um de nós, quase todos, ou produz ou consome um género de produto cultural, um produto que lhes faria falta se não tivessem mais acesso a ele.

Não pretendo ser simplista, nem ignorar a diferença de escala, nem é minha intenção analisar aqui o lado negro do futebol (que todos conhecemos). Acredito, no entanto, que alguns dos meios usados pelos clubes de futebol para envolver as pessoas e garantir o seu apoio (assim como a sua própria relevância na vida delas) poderiam também ser usados pelas instituições culturais. Imaginemos:

Uma instituição cultural que anuncia publicamente a sua missão e objectivos específicos a curto, médio e longo prazo; que permite aos membros da sua ‘família’ de apoiantes terem uma palavra a dizer; que partilha com todos os interessados momentos da sua vida diária (montagem de exposições, ensaios, momentos do trabalho do dia-a-dia dos seus funcionários ou dos artistas – alegria pelas coisas conseguidas, desilusões pelas coisas que não correram bem, incidentes que tenham piada, pequenos segredos, desejos e esperanças -, as impressões dos visitantes e espectadores sobre a experiência, gestores ou directores ou curadores ou programadores a partilhar as suas ideias sobre futuros projectos, visitas de VIPs, parcerias com outras entidades, etc.); uma instituição cultural que procura formas de tornar a sua oferta de alguma forma acessível também para aqueles que não chegam a ela, fisicamente ou financeiramente. Em suma, imaginemos uma instituição cultural que não tem medo de se desmistificar perante pessoas de todos os backgrounds; e que não tem medo de se tornar mais accountable.

Na verdade, se pensarmos bem, tudo isto não é exactamente novo para todas as instituições culturais. Existem museus, galerias, teatros, companhias, orquestras em todo o mundo, pequenos e grandes, que, cada um de acordo com os seus recursos e à sua escala, implementam algumas destas técnicas. Talvez o impacto não seja comparável ao do futebol (talvez nunca o pudesse ser; estamos, na verdade, a falar de duas áreas diferentes). Mas há um impacto. E torna-se realmente considerável quando esta atitude faz parte do nosso planeamento estratégico; quando entendemos que a partilha (de planos, pensamentos, sentimentos, responsabilidade) é uma forma de construir uma ‘família’ mais forte e conquistar o seu apoio; quando somos sinceros no nosso desejo de comunicar e de envolver. Tal como acontece no futebol.

(Foto retirada de The Hindu)

Blogger convidado: “A voz underground”, por Reem Kassem (Egipto)

Reem Kassem é uma jovem mulher muito determinada. Aproximadamente um mês após a revolução do ano passado no Egipto, quando as principais preocupações das autoridares eram paz e ordem nas ruas, Reem convenceu os militares em Alexandria a autorizar um festival de música ao ar livre, que juntou dezenas e dezenas de voluntários, desde as pessoas que pintaram o palco num dos parques abandonados da cidade aos músicas que actuaram. Poderia ouvi-la contar a história das suas negociações com os militares vezes sem conta. Desde então não tem parado e tenho a certeza que o seu papel será determinante para o futuro do sector cultural no Egipto.  mv

No Egipto, sempre pareceu que a única coisa capaz de juntar as pessoas era o futebol. Sempre que a selecção nacional está em acção, todos sentem a mesma coisa. Os jovens reúnem-se nos cafés, outras pessoas em casa e outras ainda montam ecrãs no exterior para as pessoas poderem ver o jogo na rua. A mudança acontece apenas quando as pessoas gritam e quando existe uma necessidade colectiva. Os Egípcios estavam à procura de outras formas que os pudessem juntar, de novas ferramentas através das quais poderia expressar-se e promover um diálogo com significado.

Festival Start with Yourself: Trocar para Mudar (Foto: AGORA)

O sector cultural veio fornecer actividades culturais e artísticas para o público em geral. No Egipto não há centros culturais suficientes e as actividades propostas não conseguiram dar resposta às necessidades da sociedade egípcia. Inevitavelmente, as actividades culturais estão sobretudo centradas no Cairo e depois em Alexandria, e o resto do país é totalmente ignorado. Além disso, as formas tradicionais de actividades culturais apresentadas em salas de concertos e centros de conferências não conseguiram atrair novos púbicos – são sempre as caras do costume.

Existem duas camadas no sector cultural egípcio: aquela gerida pelo governo e a independente. A primeira é representada pelo Ministério da Cultura e entidades a ele associadas; a segunda é a cena underground. Quase em todas as regiões do Egipto existem teatros nacionais, teatros de ópera, palácios culturais e grupos de dança e de música oficiais do Ministério. A cena underground, que surgiu em 2006 e cresceu rapidamente entre 2009 e 2011, é representada por jovens artistas de todas as disciplinas que não são financiados pelo Ministério da Cultura e, portanto, não são controlados pelo Governo. Actuam sobretudo em privado e em centros culturais de outros países e, até um certo ponto, são os ‘homólogos’ das ONGs e das iniciativas não-governamentais no Egipto.

Como os artistas underground conseguiram dar à população aquilo que os artistas oficiais não puderam dar, através das suas actuações em centros culturais não-governamentais ou nas redes sociais, juntaram um grande número de fãs que acreditam nas artes alternativas. Por exemplo, a banda Massar Egbari (que significa “caminho obrigatório”) canta canções sobre problemas sociais, como o desemprego, o caos do trânsito e as más condições de vida. Esta banda, e outras que partilham a mesma missão, criam com o público uma relação que não é apenas a de artista-espectador, mas uma espécie de ligação, onde o público pode usar a banda para descarregar a sua energia negativa e carregar-se com esperança. O público sente-se confortável em comunicar os seus problemas através das canções da banda e da sua música. Foi assim que a camada independente do sector cultural começou a influenciar os jovens deste país; sobretudo através da cena underground. Tornou-se, portanto, numa prioridade urgente dar resposta à necessidade para mais eventos culturais, teatros, espaços e projectos que irão satisfazer esta procura crescente.

Festival Start with Yourself: Mudança social (Foto: AGORA)

Em 2009, os artistas e os operadores culturais aperceberam-se deste desejo crescente da comunidade por eventos públicos e street art. Os gestores culturais começaram a lutar para obter licenças. Houve várias tentativas para organizar eventos em espaços públicos, que foram impedidos por questões de segurança ou parados na fase do planeamento pelos decisores políticos. O processo chegou ao fim com a chamada “Revolução Cultural”. Quando começaram os protestos no dia 25 de Janeiro, uma nova janela se abriu, dando aos artistas o sinal que deveriam assumir a liderança. Em menos de cinco dias, foram compostas canções, foi escrita poesia, foram iniciadas produções teatrais, foram preparadas exposições de fotografia e foram feitos filmes. Foram construídos palcos em espaços públicos e os artistas apresentaram espectáculos revolucionários. Como resultado, a cena underground tornou-se oficialmente na representação ideal da cultura contemporânea e, de uma certa forma, serviu para formar as novas políticas culturais.

No último ano, as estruturas culturais independentes têm sido muito activas. Muitas são novas e têm uma missão orientada para o espaço público e a street art. A criatividade com a qual têm trazido as artes a espaços não-tradicionais tem surpreendido os Egípcios e tem mudado muito a sua percepção das coisas. As entidades financiadoras têm dedicado especial atenção a projectos que trabalham com ou envolvem novos públicos e promover o acesso livre à cultura. A última coisa que queremos neste momento é tratar as pessoas como meros espectadores. A fase actual de transição política é um momento para participação e mudança social e as instituições culturais deveriam seguir a mesma linha.

Festival Start with Yourself:  Sonhar... Alcançar... Mudar (Foto: AGORA)

A arte em espaços públicos pode ser entendida como o reflexo da nossa identidade e cultura colectiva. Tem um alto potencial para celebrar a diversidade da nossa sociedade e fortalecer o sentimento de pertença. No entanto, nos últimos anos não tinha havido nenhum compromisso público ou interesse nisso e, assim, a distância entre o indivíduo e a comunidade aumentou. A realidade cultural no Egipto está a mudar com o uso do espaço público por artistas independentes, com a reinvenção do espaço público através de festivais multi-artes e com a apresentação de novas formas de arte em público.

Reem Kassem começou a trabalhar no Centro de Artes da Biblioteca Alexandrina em 2003. Em 2010 tornou-se Responsável pela Programação de Artes Performativas. Coordena o programa mensal e os festivais de artes performativas, gere as assinaturas do Centro em redes internacionais e promove as suas produções internacionalmente. Em 2011, criou AGORA for Arts and Culture, uma organização independente que liga a prática artística e a educação não-formal ao desenvolvimento social. Em 2012, criou AGORA International, com base em Marselha (França). Tem participado em vários fóruns culturais em países europeus e do norte de África.

Então, qual é o plano?

À Mónica Calle e à Alexandra Gaspar, e também ao Luís Tinoco; que poderão não partilhar estes pontos de vista, mas que, mesmo assim, os inspiram.

Todos os encontros, seminários e conferências a que assisti nos últimos meses tinham as palavras ‘crise’ e ‘desafios’ algures incluídas: no tema, num painel, em algumas comunicações. Poderia ser um sinal positivo. Poderia significar que estamos conscientes da situação crítica com a qual estamos a ser confrontados e queremos lidar com ela, enfrentá-la. Queremos reagir e tomar o futuro nas nossas mãos.

Mas pode também significar… nada. Simplesmente nada. Em todas essas ocasiões foram raras as vezes em que ouvi ideias e propostas concretas. Ouvi críticas (normalmente a decisões do governo); ouvi exigências (normalmente dirigidas ao governo); ouvi as mesmas coisas que temos andado a dizer há anos (normalmente sobre as responsabilidades e obrigações do governo, sobre o quanto somos importantes, quão subfinanciados e negligenciados e subvalorizados pelo governo e pela sociedade, quando ambos deveriam saber melhor…).

O maior desafio não será, afinal, pôr um fim a tudo isto? Às repetições, à nossa miopia, à nossa autocomiseração, à nossa inércia? Porque estamos enganados se pensamos que estamos a agir quando exigimos apenas aos outros, quando nos concentramos apenas nas responsabilidades dos outros, quando procuramos apenas não deixar que as coisas piorem (isto é, que piorem ainda mais, porque, na verdade, nunca estiveram muito bem). Quais as nossas responsabilidades? Qual o nosso papel em tudo isto? Quais as nossas ideias, as nossas prioridades? Em suma, qual o nosso plano?

É nossa responsabilidade, faz parte do nosso papel, controlarmos e criticarmos o governo. Exigir que cumpra as suas obrigações perante os cidadãos (apesar de às vezes parecer que nos esquecemos deles e exigimos apenas por nós e pelas ‘nossas’ instituições). Mas também é fácil, se pretendemos fazer apenas isso. E não leva a lado nenhum. Os governos, os políticos, os ministros poderão não ter necessariamente um plano… Mas nós temos que ter. Não só deveríamos assumir isto como parte do nosso trabalho, como deveria ser esperado de nós.

Em primeiro lugar - de tudo o que vi e ouvi e li nos últimos tempos -, diria que uma das coisas mais preocupantes em que devemos pensar é que estamos ainda muito afastados da sociedade. Confortáveis e altivos e seguros de nós próprios no nosso papel de guardiões, temos ainda dificuldade em entender que as pessoas para as quais é suposto trabalharmos - estou-me a referir aos cidadãos, muitos dos quais, convém que não nos esqueçamos, votaram no partido  que formou o actual governo e que anunciou durante a campanha o fim do Ministério da Cultura -,  essas pessoas, portanto, procuram o diálogo e não sermões; desejam ser nossos parceiros e não receber ordens; querem sentir-se em casa e não em transgressão; querem entender e não lidar com um clube de elites. Ignorar tudo isto significa assinar a nossa sentença de irrelevância.

Um segundo ponto que queria referir é que existe uma necessidade urgente de considerar e começar a trabalhar em fontes alternativas de financiamento. Estarmos dependentes apenas de uma fonte não provou ser boa ideia. Insistirmos que essa fonte continue a fluir sem ao mesmo tempo procurarmos alternativas demonstra, no mínimo, alguma teimosia, pouco produtiva. Ultrapassar a nossa alergia em falar da geração de dinheiro é algo essencial neste processo. As instituições culturais não têm fins lucrativos, mas isto não significa que não devem ter lucro. É esse lucro que poderiam reinvestir na sua actividade e conseguir progredir, fazer mais.

O primeiro e o segundo ponto, intimamente relacionados (isto é, os alicerces da sustentabilidade financeira das instituições culturais têm a sua base também na relação com a sociedade), levam a um terceiro: a necessidade de estes processos serem conduzidos por profissionais adequadamente preparados. Confiaríamos alguma vez a nossa defesa em tribunal a um advogado não-profissional? A nossa saúde a um médico não-profissional? A construção da nossa casa a um engenheiro não-profissional? Com todo o respeito pelos amadores e entusiastas, que são absolutamente fundamentais na nossa área, como é que o sector cultural continua a não procurar os profissionais mais apropriados para cada função? Como é que vamos poder construir confiança e fé nas nossas transacções com outros sectores, essenciais para a nossa sustentabilidade, se não formos adequadamente preparados?

E um último ponto, indispensável: falar a verdade ao poder. O facto de muitos líderes (a maioria?) preferirem ser rodeados de ‘yes-men’ não é um fenómeno exclusivamente português. Há algumas semanas, por ocasião da destituição da Presidente do Arts Council England, Liz Forgan, pelo Secretário de Estado da Cultura, Jeremy Hunt, Dany Louise escrevia no seu blog: “O princípio básico é que se queremos uma boa – ou até excelente – governança, não nos rodeamos de ‘yes-men’ e ‘yes-women’, mas de profissionais capazes e inteligentes e de um ambiente que valoriza e activa estas capacidades. Encorajamo-los a dizer-nos quando estamos equivocados ou quando estamos a tomar uma decisão errada e esperamos que nos apresentem alternativas viáveis. Fazemo-lo porque este é um factor crítico para nos tornarmos em verdadeiramente bons líderes, líderes que tomam as melhores decisões.” (vale a pena ler o texto na íntegra aqui).

“Crise” em grego significa, em primeiro lugar, um ponto decisivo, um ponto crucial, um ponto de viragem. A crise apresenta-nos com desafios e também oportunidades de mudança. Este é o momento de avaliarmos a situação, definir objectivos, estabelecer prioridades. Muito frequentemente, a distância entre as declarações de intenções e o pôr estas intenções em prática é demasiado grande e raramente percorrida. Este sector precisa de identificar aqueles capazes de cobrir esta distância, de levar as coisas para a frente. Este sector precisa também de identificar aqueles que entendem o significado da palavra accountability*. Os bons líderes deverão procurar os melhores consultores. E aos melhores consultores deverá ser dado espaço para darem a sua opinião. Livremente, objectivamente, responsavelmente.

*Accountability significa que quem desempenha funções de importância na sociedade deve regularmente explicar o que anda a fazer, como faz, por que faz, quanto gasta e o que vai fazer a seguir. Não se trata, portanto, apenas de prestar contas em termos quantitativos, mas de auto-avaliar a obra feita, de dar a conhecer o que se conseguiu e de justificar aquilo em que se falhou. (Fonte: Wikipedia)

Ainda neste blog

Somos para as pessoas. Será mesmo?

Ministério da Cultura: qual cultura e de quem?

La crise oblige?  (i) Algumas questões

La crise oblige?  (ii) Desafios da programação

La crise oblige  (iii) Desafios na gestão

Ministério da Cultura: Conseguimos manter o debate vivo por uma segunda semana?

A John Hopkins International Fellows in Philanthropy Conference terá lugar nos dias 4 e 5 de Julho em Lisboa, na Fundação Calouste Gulbenkian. O tema da conferência é As artes e a crise económica – Uma oportunidade para o terceiro sector? O programa pode ser consultado aqui.

Blogger convidado: "Primeiro ano como directora de museu... Sobrevivi!", por Nina Simon (EUA)

Sou grande fã do blog de Nina Simon Museum 2.0.  Descobri-o há dois ou três anos e há duas coisas das quais gosto em particular: as suas preocupações com o envolvimento da comunidade no trabalho do museu e a forma como consegue pôr a teoria em prática. Há um ano, assumiu a direcção do Santa Cruz Museum of Art and History. A sua avaliação do primeiro ano nesse posto é um relatório lúcido, objectivo e realista, escrito por alguém que tem uma clara noção da sua missão, responsabilidades e capacidades. Nina Simon sabe onde vai e está pronta para fazer o que é preciso para lá chegar. O Santa Cruz Museum of Art and History tem sorte em ter uma directora com as suas qualidades. mv

Imagem retirada do blog Museum 2.0 

Hoje é o meu primeiro aniversário como directora executiva do Santa Cruz Museum of Art & History. Há um ano, coloquei o meu chapéu de consultora na prateleira e decidi mergulhar na gestão de museus (uma frase que NUNCA teria imaginado escrever cinco anos atrás).

Foi um ano selvagem e maravilhoso – sem dúvida, o meu mais desafiante e estimulante até agora. Passámos por uma reviravolta financeira dramática e redefinimos a nossa relação com a comunidade através de uma série de projectos participativos experimentais e novas abordagens programáticas. Emergimos do outro lado com aumentos dramáticos do número de visitantes (62%), das assinaturas (30%) e estabilidade financeira (inestimável). Temos novos apoios de fundações e indivíduos que se preocupam com a inovação no envolvimento dos públicos – e, mais importante ainda, participantes muito excitados que querem experimentar connosco. As pessoas aparecem, envolvem-se e partilham o seu entusiasmo a rodos. Pessoalmente, aprendi a trabalhar em mundos completamente novos, desde o fundraising à gestão e ao desenvolvimento da comunidade. É um trabalho extremamente gratificante. Sinto-me com sorte.

Estou aberta a quaisquer questões que queiram levantar nos comentários. Entretanto, aqui estão algumas das…

COISAS DE QUE ME ORGULHO MAIS:

Redefinimos o nosso papel na comunidade. Sempre me interessei na missão social dos museus e estou convicta que o MAH terá sucesso se não formos apenas uma grande organização cultural ou educativa, mas sim, uma grande organização comunitária – uma que tenha uma relevância significativa para os assuntos de maior importância em Santa Cruz. Estou orgulhosa das nossas parcerias com o Homeless Service Center, Second Harvest Food Bank, UCSC, the Chamber of Commerce e outras organizações que estão no coração da identidade de Santa Cruz. Aguardo com expectativa por mais parcerias estratégicas que apoiem amplamente o desenvolvimento comunitário no nosso país.

Simplesmente fizemos. Não passámos por um extenso processo de planeamento, seguido de passos para a frente deliberados e cuidadosos. Tínhamos uma visão, uma lista de objectivos para o primeiro ano e um ataque energético (se bem que subfinanciado). No ano que passou, desenvolvemos várias metodologias e abordagens e planeamento para o nosso trabalho – como a nossa filosofia de exposições e o processo de desenvolvimento de um programa comunitário - e fizemo-lo repetidamente através de uma série de experiências. Tentámos e testámos e brincámos e trabalhámos e ainda estamos a fazê-lo. Como diz a Kathleen McLean, é um “museu como protótipo” e é um trabalho emocionante e profundo para todos nós.

ERROS QUE COMETI:

Usei a palavra F. Quando cheguei, o MAH estava à beira da falência – tínhamos dinheiro no banco para menos de uma semana. Nos primeiros dias, dizia aos doadores e aos meios de comunicação que o museu estava a falhar e que precisávamos do seu investimento e compromisso para dar a volta e prosperar. Esta narrativa funcionou bem com a imprensa - especialmente quando tivemos alguns primeiros resultados impressionantes – mas foi desmoralizante e ofensiva para alguns funcionários e voluntários que tinham trabalhado muito para proporcionarem aos visitantes as melhores experiências possíveis em anos anteriores. Os membros da equipa ajudaram-nos a reencaixar o nosso discurso e passámos a falar de um museu que se transformou de um “modelo tradicional para um modelo do século XXI”, em vez de um museu que falhou e depois conseguiu.

Confundi tendências financeiras com posição financeira. Quando cheguei, vi uma instituição que tinha operado durante anos no vermelho. Tínhamos que reverter a tendência e fiz cortes e mudanças drásticos e imediatos para cortar nas despesas. Todos fizeram sacrifícios. Pensei que era a única opção. Tivemos layoffs e todos os funcionários que permaneceram tiveram um corte de 20% no salário (que se repôs nos seis meses seguintes, à medida que foi conseguida uma reserva operacional). Depois, a reviravolta aconteceu mais rapidamente do que esperava e agora vejo a situação de forma um pouco diferente. Talvez, em vez de pensar que precisávamos de dar a volta ao fluxo de caixa mensal, deveria ter pensado sobre o caixa líquido necessário para nos colocarmos numa base mais estável. Se estivesse novamente na mesma situação, poderia ter feito a mesma opção, mas acho que colocaria mais opções na mesa durante a tomada de decisão.

Não prestei a devida atenção ao stress causado por uma mudança disruptiva. Apesar de considerar que fiz um bom trabalho ao comunicar a minha visão para a reviravolta e as mudanças com o pessoal, não foi o mesmo quanto a stress expresso – e sobretudo não expresso – que as acompanhou. Apesar de eficiente como uma ferramenta para mudanças rápidas, “abraça o caos” não é uma estratégia de gestão confortável. Reconheço a todos na nossa equipa o facto de se terem adaptado e procedido com entusiasmo e optimismo.

COISAS QUE ME SURPREENDEM:

O papel central de experiências conduzidas por eventos. Desde o primeiro dia, acreditei que no nosso primeiro ano precisávamos de nos concentrar na criação de novos eventos participativos para nos envolvermos com a comunidade. A minha teoria era que os visitantes seriam introduzidos ao museu através de eventos e depois regressariam para visitas durante o dia às salas de exposições. Em vez disso, descobrimos que efectivamente regressam – para mais eventos. Oitenta e cinco por cento dos nossos visitantes visitam aquando da organização de eventos. Os eventos geram visibilidade nos media, concentram a atenção pública e são catalisadores de energia social. Estamos ainda a considerar como vamos negociar a relação entre eventos e visitas normais no  que diz respeito a horários, preços e atribuição de recursos – mas isto é algo que, sem dúvida, vamos continuar a explorar.

O efeito cumulativo da participação. Falo frequentemente da participação dos públicos como uma ferramenta – uma entre muitas – para aumentar o envolvimento. Apesar de continuar a acreditar nisto, no MAH estamos a ver alguns dos efeitos surpreendentes do uso de várias técnicas participatórias debaixo do mesmo tecto. A nossa mensagem para a comunidade para se envolver, em combinação com políticas que promovem uma colaboração flexível e paragens em todo o edifício que convidam para a participação, está a gerar níveis e tipos de actividade co-criativa notáveis, em todos os campos. É comparável à diferença entre um espaço com poucos interactivos e um centro de ciência interactivo – muda a forma como as pessoas se envolvem e quem vem. Não estou a dizer que cada instituição pode ou deve seguir a mesma direcção, mas é a primeira vez que vejo esta prática em acção e estou impressionada com a distinção.

A rapidez e extensão da reacção da comunidade. Temos ainda um longo caminho pela frente para o tornar o MAH no “próspero e central lugar de encontro” da nossa visão. Mas é bastante impressionante ver com que rapidez mudou o nosso papel aos olhos dos membros da comunidade. Visitantes, membros, doadores, voluntários e os media têm sido efusivos quanto àquilo que descrevem como a “nova energia” no museu. Não imaginei que iria acontecer num espaço tão breve de tempo e acho que vai-nos ajudar a todos – equipa, board e membros da comunidade – a continuarmos a conversa sobre o como manter a energia.

O possível determinismo da geografia cultural. Costumava dizer que a participação pode funcionar em todas as culturas e todos os tipos de instituições – é só uma questão de encontrar o tipo certo de participação para essa comunidade. Apesar de ainda acreditar nisso, estou frequentemente impressionada pelo facto da nossa história ser muito “Santa Cruz”. Abraços de borla para novos membros, projectos de escultura colaborativos, festivais de fogo…    estas coisas poderiam funcionar em muitos sítios, mas não tenho a certeza se teria suscitado o mesmo interesse, paixão e entusiasmo quase universal que estamos a gozar. Falei sobre isso com amigos internacionais do mundo dos museus na American Association of Museums e tinha reacções mistas – alguns aceitaram o conceito de nicho de Santa Cruz, outros não. Mais uma vez, estamos a reflectir sobre isto.

Um brinde ao ano que vem, que espero que seja tão cheio de aprendizagens, envolvimento e experimentação como o anterior. E com mais tempo para dormir. Isto seria bom também.

[Texto inicialmente publicado no blog de Nina Simon Museum 2.0]

Nina Simon é directora executiva do Santa Cruz Museum of Art and History  http://www.santacruzmah.org/. Projecta e investiga experiências participativas em museus. É a autora do livro The Participatory Museum e do blog Museum 2.0, com mais de 30000 visualizações semanais.

Somos para as pessoas. Será mesmo...?

Foto: Thomas Struth

Nestes últimos tempos, estive em dois encontros com profissionais de museus e amanhã começa outro (a European Museum Advisors Conference 2012). Tenho estado a pensar naquilo que me faz sentir tão bem na companhia deles. Cheguei à conclusão que é o facto de serem pessoas que dão, cujo trabalho faz sentido para elas porque querem muito partilhá-lo, querem que seja útil e que tenha significado para outros. Não houve nem um prémio nem uma menção honrosa na recente cerimónia de atribuição do European Museum of the Year Award em Penafiel que não tivesse mencionado a relação especial ou o envolvimento que esses museus têm estabelecido com as suas comunidades. Os museus estão a evoluir, se bem que lentamente, de instituições orientadas para as colecções (collection oriented) para instituições orientadas para as pessoas (people oriented).

Pode soar estranho que diga ‘lentamente’. Mas consideremos o seguinte: foi em 1909 que John Cotton Dana, o visionário director de Newark Museum nos EUA, exprimiu a seguinte convicção relativamente ao papel dos museus: “Um bom museu atrai, entretém, provoca curiosidade, leva ao questionamento e, assim, promove a aprendizagem. (…) O Museu pode ajudar as pessoas apenas se for usado por elas; irão usá-lo apenas se souberem dele e apenas se for dada atenção à interpretação dos seus bens em termos que elas, as pessoas, percebam”. E foi em 1917 que escreveu: “Hoje, os museus de arte são construídos para guardar objectos de arte e os objectos de arte são comprados para serem guardados em museus. Como parece que os objectos fazem o seu trabalho quando são bem guardados e os museus parecem servir o seu propósito quando guardam bem os objectos, isto tudo é tão útil no esplêndido isolamento de um parque distante como o é no centro da vida da comunidade que o possui. Amanhã, os objectos de arte serão comprados para dar prazer, para fazer com que os modos das pessoas pareçam mais importantes, para promover capacidades, para exaltar o trabalho manual e para aumentar o gosto pela vida acrescentando-lhe novos interesses”.

Seremos nós, quase um século depois, o ‘amanhã’ de que falava John Cotton Dana? Quando existem ainda directores de museus que sentem a necessidade de optar entre o cuidar das ‘suas’ colecções e partilhá-las com as pessoas, “nos termos que elas, as pessoas, percebam”? Como se tivéssemos o direito de escolher qual das cinco funções do museu vamos cumprir (coleccionar, preservar, investigar, expor ou interpretar), em vez de as cumprir todas da melhor forma que possamos? Não acho que sejamos ainda este género de ‘amanhã’, mas museus em todo o mundo têm dado passos muitíssimo sérios nessa direcção. E esta atitude tem dado frutos. Porque esses museus se têm tornado relevantes para as suas comunidades, são usados e estimados, fazem parte da vida das pessoas e as pessoas estão aqui para defender a sua existência.



De alguma forma, estes museus orientados para as colecções fizeram-me pensar nas instituições orientadas para os artistas. E o artigo de Vitor Belanciano Artistas e cinismo (Público, 20.05.2012) não poderia ter aparecido num momento melhor para contribuir para esta reflexão. Num texto que foi profundamente sentido e apreciado pelas pessoas que valorizam a criação artística, Vítor lembrou-nos de algumas verdades: da má imagem que a cultura e a maioria dos artistas têm em Portugal; do facto de serem considerados parasitas; do facto de merecerem – alguns, nem todos – reconhecimento apenas após a sua morte. Mencionou ainda que cientistas, médicos, advogados e engenheiros, mesmo quando são maus profissionais, não têm que justificar a sua existência perante a sociedade; e que os artistas não estão a fazer o suficiente para seduzirem a opinião pública, provavelmente porque eles próprios não acreditam naquilo que querem que nós acreditemos: que a cultura não cria apenas riqueza material, mas também sabedoria e riqueza emocional, que são absolutamente essenciais nos tempos que correm.

Outras profissões não precisam de se justificar porque a percepção geral é que contribuem para o bem comum. E é clara para as pessoas a forma como o fazem. Os artistas, em primeiro lugar, não são considerados profissionais e são vistos como pessoas que trabalham para elas próprias, gastando dinheiros públicos. Assim como as instituições que lhes cedem espaço para o fazer. No entanto, tal como os museus não existem apenas para preservar colecções, também as instituições de artes performativas não existem apenas para apresentar projectos artísticos. A ‘introversão’ que ainda caracteriza muitas delas, fazendo com que as portas se abram apenas aos poucos ‘entendidos’, está a ser contrariada, tanto pela entrada de profissionais que trazem novas preocupações quanto à relação com a sociedade - relação essa fundamental para que se possa verdadeiramente cumprir a sua missão e indissociável da sua sustentabilidade -, como também pela exigência de acesso por parte dos cidadãos.

As instituições culturais existem para as pessoas. São lugares de encontro entre pessoas que desejam comunicar entre elas; que procuram beleza e inspiração e sentido; que desejam partilhar pensamentos, experiências, preocupações e alegrias. Se quem as dirige não for consciente disto, então uma grande parte da sociedade continuará a considerar o investimento um desperdício, a sua oferta no mínimo incompreensível, a sua existência irrelevante e, por isso, dispensável. 

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