Monday 29 November 2010

Será apenas o termo que incomoda?

Quando há 17 anos iniciei o meu mestrado em Museologia e descobri o mundo do marketing cultural, ou melhor, o mundo do marketing de instituições sem fins lucrativos, a controvérsia à volta desta temática era intensa. Para a grande maioria dos profissionais dos museus, o marketing não era compatível com a missão e objectivos dessas instituições. Muitos alertavam para o perigo da 'prostituição museológica' ou da criação de 'supermercados culturais'.

Em 2002 escrevi um artigo para o boletim da Rede Portuguesa de Museus intitulado Marketing de museus: afinal será só o termo que incomoda? (ver
aqui). Voltei a lê-lo agora, oito anos depois, e, se bem que hoje teria provavelmente construído a minha argumentação de forma ligeiramente diferente, encontrei pontos que ainda defendo: a necessidade e o interesse dos museus em recorrer ao marketing, sendo este um meio que permite criar uma comunicação consistente e eficiente, e que contribui para o cumprimento da missão dos museus; a constatação que os museus desenvolvem várias iniciativas e acções de marketing - mas de forma pontual, desarticulada, que não faz parte de um plano estratégico -, o que leva a pensar que é mais o termo que incomoda do que o recurso a estas técnicas em si; a necessidade de a própria profissão (do museólogo) formar os seus especialistas em marketing, pessoas essas sensibilizadas quanto às especificidades do sector, capazes de ajudar a cumprir a missão, sabendo ao mesmo tempo respeitá-la.

Pensei novamente em tudo isto a propósito da conferência Economia e teatro: desafios em tempo de crise, que teve lugar na passada quinta-feira no Teatro Nacional D. Maria II. Não pude assistir à conferência, li apenas o relato parcial do que foi dito num artigo do Público intitulado
Gerir um teatro não é como gerir uma empresa, uma citação proveniente da intervenção de Miguel Lobo Antunes no âmbito de um painel sobre “O que devem saber sobre economia os directores dos teatros?”.

O discurso economista, que parece às vezes sobrepor-se a tudo e a todos, é uma preocupação partilhada por muitos agentes culturais, talvez pela maioria. Sobretudo quando os indicadores económicos tornam-se nos principais indicadores de desempenho das nossas instituições. No entanto, ao ler o artigo senti que havia muitas analogias à forma como há uns anos atrás se discutia o marketing das instituições sem fins lucrativos.

A actividade cultural é uma actividade também económica. E, tal como defendia no caso do marketing, o sector só tem a ganhar com a inclusão de profissionais especializados nesta área, ou seja, pessoas que, para além de terem conhecimentos de economia, conheçam as suas especificidades e possam contribuir para que se cumpra a sua missão. O caminho para se chegar a esta especialização tanto tem como ponto de partida os estudos em economia com formação adicional em gestão cultural, como estudos na área das ciências sociais e humanas ou das artes com formação adicional em economia da cultura. Em Portugal já temos pessoas formadas nesta área e não as considero uma ‘ameaça’. Antes pelo contrário, quem trabalha na área do marketing e da comunicação cultural encontra neles um interlocutor que fala a mesma língua.
Esta questão, no entanto, leva a outra, que não sei se foi de alguma forma abordada na conferência no Teatro D. Maria II. Quem é, ou deve ser, o director de um teatro? O Director Artístico? Um Gestor? Um Director Geral da área das artes performativas mas com conhecimentos de economia ou um Director Geral da área da economia mas com conhecimentos sobre as artes performativas? Ou, então, uma direcção bicéfala?

Monday 22 November 2010

"Vão é trabalhar!", dizem eles...

Estive a ler os vários comentários no Público online a propósito da entrevista de Luis Miguel Cintra a Tiago Bartolomeu Costa, que traz o título “Há uma agressão concreta às companhias”. Em várias ocasiões nos últimos meses senti-me incomodada, às vezes chocada, pela forma violenta, furiosa, como alguns ‘comentadores’, a maioria anónimos, expressam a sua opinião contra os apoios à cultura, às artes e aos artistas e o seu desprezo pelos mesmos, demonstrando em alguns casos – como neste – grande ignorância.

O ‘fenómeno’ não é apenas português. Na altura do anúncio dos cortes no Reino Unido alguns dos comentários deixados pelos leitores dos jornais demonstravam a mesma raiva, o mesmo desprezo, muita incompreensão e ignorância.

Lia-se em dois dos comentários deixados no Público online:


Anónimo, Lisboa. 19.11.2010 12:25 Estranho...
Não é normal num país civilizado que o teatro seja pago pelo Estado. Normalmente uma peça é um sucesso e aí os produtores ficam todos contentes e arrecadam dinheiro, ou é um flop e partem para outra. É assim em todos os países a sério e curiosamente as pessoas vão e estão em cartaz anos a fio. Cá, quer pele péssima qualidade de muitas produções quer pele preguiça dos encenadores, produtores, eles fazem o teatro para eles. O público é perfeitamente acessório. Com as receitas de bilheteira tinham feito só uma. Mas o Estado paga-lhes tudo o resto. O mesmo no cinema. O que eles fazem não é cultura. É uma chacha subsidiada, que dá prejuízo e que é vista por 1 mil pessoas se tanto. Não vão ao interior, encenam coisas como se estivessem sob a influencia de drogas e depois queixam-se. Vivam num mercado aberto. A peça é boa e atrai público - fica, é um flop - azar. Andar a viver à mama durante 30 anos e agora berrar quando todos estão a passar MAL é uma VERGONHA. Eu pago na boa 100 dólares para ver uma boa peça na Broadway mas não pago 5 tostões para ver uma na Cornucópia. E na Broadway vejo actores, na cornucópia vejo-o a ele. Um pedante cheio de si que como actor é uma desgraça.

E ainda:
Anónimo , Lisboa. 19.11.2010 12:17 700.000? Se-te-cen-tos MIL???Este tipo recebe do ministério da cultura 700.000 euros, OFERECIDOS, e ainda vem para aqui dizer mal? Mas o que é isto? Mesmo que os espectáculos sejam uma m....? Mesmo que não convença ninguém a ir ver? E este jornalista anda a dormir, não é capaz de o confrontar com o que pensam os portugueses sobre esta raça de "artistas" que acha que todos lhes devem e ninguém lhes paga? Que falta de ética! Que falta de chá! Que falta de vergonha! Que lata! Parece que temos, nós, os portugueses que não temos quem nos dê dinheiro sem termos que o ganhar PRIMEIRO, que dizer das boas aos artistas chulos que por aí pululam. E então no teatro... estão é mal habituados! Ah, e peço desculpa aos "senhores artistas portugueses" por ser tão ignorante e achar que 99% do que eles fazem não presta, ainda bem que eles sabem tanto para me iluminar! Muita paciência deve ter a ministra para continuar a aturar esta gente... Olha, eu, nem morto volto a dar um tusto a ganhar a esta gente! Vão é trabalhar!



Em primeiro lugar, o marketing ‘institucional’ (entre aspas, porque uso o termo para me referir tanto a instituições como a pessoas). Não basta promovermos e comunicarmos a nossa programação. No entanto, por falta de meios e de tempo, é nisso que todos nos concentramos. Só que desta forma chegamos sobretudo aos nossos públicos e não conquistamos propriamente os não-públicos. O marketing institucional é uma ferramenta que permitiria comunicar a visão que se tem, chamaria atenção para os valores que se defende, dava a conhecer a forma como se constrói uma proposta, procuraria definir uma linguagem acessível, apresentaria as ‘provas’ que poderiam dar resposta às preocupações sentidas pela sociedade, criaria os alicerces de uma relação, ajudaria a angariar apoio (não me refiro ao apoio financeiro, mas também esse), empenhar-se-ia em tornar evidente a relevância que o que se faz tem nas vidas de todos nós.


A segunda questão para a qual gostaria de chamar a atenção, e que está muito relacionada com a primeira, é a da profissionalização das pessoas que trabalham na área da comunicação e do marketing cultural. É curioso que o próprio Luis Miguel Cintra, quando se refere às múltiplas tarefas que a sua pequena equipa é chamada a desempenhar, destaca a importância de duas delas, ambas relacionadas com o marketing: a escolha de fotografias ou a preparação de um comunicado de imprensa.


Não poucas vezes, as pessoas que trabalham nesta área estão nela por acaso. Sem questionar de forma alguma o empenho e a dedicação dessas pessoas, sente-se muitas vezes a falta de formação profissional, a falta de conhecimentos gerais e específicos que permitiriam desenvolver um trabalho rigoroso, consistente, pertinente, inovador. Para se trabalhar nesta área, como em qualquer outra, é importante estar-se bem preparado, possuir conhecimentos e ferramentas que permitirão questionar, testar, adaptar, avaliar o que se faz e ao mesmo tempo prestar um bom serviço de assessoria junto daqueles cuja arte é outra.

Não são propriamente os comentários acima referidos que me fazem pensar em soluções, na forma de reagir. É muito pouco honesto alguém que se quer informado, e que paga para ir a Broadway ver espectáculos, afirmar que Luis Miguel Cintra não convence ninguém a ir ver os seus espectáculos. Se bem que o número de espectadores não constitui um selo de qualidade, como todos sabemos, a verdade é que Luis Miguel Cintra, para além de ter muitas vezes casa cheia no pequeno Teatro do Bairro Alto, enche consecutivamente salas muito maiores quando ‘se muda’ para outros teatros, cruzando públicos tradicionais e não tradicionais, aqueles que o seguem fielmente com outros que se expõe à sua arte pela primeira vez. E isto significa algo.

Os comentários acima referidos lembraram-me mais uma vez que o desconhecimento existe e na maioria dos casos não é intencional, mas sim genuíno. O desafio para todos nós que trabalhamos no sector cultural - não só os profissionais da comunicação, mas também os da educação, sem esquecer, obviamente, os próprios artistas, programadores, directores artísticos, directores de museus, etc. – é reconhecê-lo, entender as suas causas, combatê-lo. E isto implica, em primeiro lugar, termos formação adequada para a área em que estamos a trabalhar. Implica igualmente repensarmos ou ajustarmos a nossa estratégia e prioridades.
Por defeito profissional, tendo fazer a leitura dessas opiniões do ponto de vista da comunicação. E sinto cada vez mais que há duas questões que deveriam preocupar seriamente o sector cultural, e o das artes em particular.

Monday 15 November 2010

O Artigo 27

Esta semana cruzei-me por duas vezes nas minhas leituras com o Artigo 27 da Declaração Universal dos Direitos do Homem, que diz: “Toda a pessoa tem o direito de tomar parte livremente na vida cultural da comunidade, de fruir as artes e de participar no progresso científico e nos benefícios que deste resultam.”

A primeira vez foi no livro
No Culture, No Future de Simon Brault. Brault é o Director do National Theatre School of Canada, Vice-Presidente do Canada Council for the Arts e Presidente de Culture Montréal. O seu livro centra-se nas questões ligadas à participação cultural. No primeiro capítulo, “Culture as a forward-looking sector for the future”, o autor apresenta o desenvolvimento de políticas culturais em países como a França, a Grã Bretanha, os Estados Unidos e o próprio Canadá, reflecte sobre as condições de trabalho dos artistas, sobre o impacto económico da cultura e sobre o seu financiamento. É neste contexto que se refere ao artigo 27 e o direito de tomar livremente parte na vida cultural, direito este que justifica o envolvimento governamental no apoio à cultura.

O segundo capítulo do livro, intitulado “Culture as an essential dimension of the human experience”, apresenta a visão que o autor tem da cultura, como uma linha de vida, não apenas como um factor que forma e define cada ser humano, mas também como um factor de civilização e progresso. Brault faz aqui referência ao estudo
The Values Study, realizado pela Connecticut Commission on Culture and Tourism com o apoio da Wallace Foundation, que apresenta os resultados de uma centena de entrevistas com cidadãos com níveis variados de participação cultural. São valores comuns entre os entrevistados a experiência estética, valores cognitivos, políticos e espirituais, mas atribuem igualmente importância ao impacto da participação cultural na ligação entre o espírito e o corpo, à apreciação de diferenças étnicas e geracionais, mencionando ainda noções de identidade, auto-estima, orgulho e dignidade. Brault reflecte sobre todos aqueles factores que constituem barreiras à participação cultural (sociais, educacionais, financeiros e outros práticos – falta de tempo, de transporte, etc.) e apresenta uma série de exemplos entre as instituições culturais que procuram providenciar melhor acesso, contextualizando a sua oferta, simplificando o discurso, promovendo encontros entre artistas e público, mas também fazendo a legendagem das óperas, transmitindo os espectáculos ao vivo em cinemas, organizando actuações ao ar livre e completando a experiência também do ponto de vista social (restaurantes, bares, lojas, etc).

Descobri neste segundo capítulo que na Bélgica existe a Associação Artigo 27, que reúne várias instituições culturais e cujo papel é considerado exemplar na área da democracia cultural (não encontrei o site da Associação, mas existe uma referência à sua actividade
aqui). A Associação disponibiliza bilhetes gratuitos ou a preços muito baixos, em muitos casos bilhetes que não foram vendidos, a todos aqueles que têm dificuldades financeiras e que doutra forma não poderiam assistir a espectáculos. A ideia agora é alargar a oferta a outras actividades culturais e artísticas, para além das artes performativas. Uma iniciativa que pode fazer muito sentido e que pode até criar alguma receita, mas que se concentra na eliminação da barreira financeira, o que não me parece suficiente para considerar a sua acção fundamental para a democracia cultural. A grande questão aqui não é o dinheiro (pode ser também), mas sim as barreiras mentais e cognitivas.

Simon Brault abraça a declaração “Uma cultura elitista para todos”, pronunciada pelo encenador francês
Antoine Vitez, e defende que, para além de apoiar, proteger e financiar arte de excelência, é importante não se esquecer da necessidade de desenvolver também a procura. No terceiro capítulo do seu livro, apresenta a cidade de Montreal como um estudo de caso na criação de uma política de desenvolvimento cultural numa cidade que se quer uma metrópolis.

O livro de Simon Brault não me trouxe propriamente algo de novo. Mas é um livro bem escrito, por alguém que acredita no que está a fazer e que o faz de forma apaixonada e dedicada.

A segunda referência ao Artigo 27 encontrei-a no editorial de Sharon Heal na revista Museums Journal do mês de Outubro (revista mensal da
Museums Association). No mês de Setembro realizou-se em Liverpool a conferência inaugural da Federation of International Human Rights Museums. A Federação reúne museus que lidam com as temáticas da escravatura, dos direitos humanos ou do Holocausto, museus esses cuja missão é também educar e fazer campanha pelo respeito e contra o abuso dos direitos humanos. No seu editorial Sharon Heal defende que lidar com estas questões não deve ser da exclusiva responsabilidade de museus cuja temática está directamente ou obviamente ligada a elas. Invocando o Artigo 27, Heal lembra que os direitos culturais são direitos humanos e defende que todos os museus devem olhar para as suas comunidades locais e tentar perceber se existem nelas pessoas que são financeiramente, intelectualmente ou socialmente excluídas. E se sim (sabemos que sim), não têm a obrigação de fazer algo?

Até agora não tinha reflectido sobre a questão da participação cultural e do desenvolvimento de novos públicos à luz do Artigo 27. Tão preocupados que todos estamos em provar o valor da cultura e convencer governantes, mecenas, patrocinadores e a sociedade em geral da importância e necessidade de a apoiar, que esquecemos muitas vezes que a participação na mesma é um direito declarado. Por isso, o ponto de partida, tal como defendi no post
Quem merece ser financiado (II), deveria ser outro: o de facilitar o acesso (físico, cognitivo e financeiro).

Monday 8 November 2010

O factor 'conforto'

Foi no livro The Museum Experience, de John Falk e Lynn Dierking, que li pela primeira vez sobre o factor ‘conforto’, associado à qualidade da experiência de visitar um museu. Os dois autores identificam três contextos na interacção do visitante com o museu:

1. O contexto pessoal: experiência e conhecimentos prévios, interesses, motivações e preocupações que cada visitante traz com ele e que definem a sua agenda pessoal no que diz respeito à visita.

2. O contexto social: o tipo de grupo em que o visitante se insere, assim como, também no caso das pessoas que visitam sozinhas, a interacção com outros visitantes e com os funcionários do museu, influenciam a perspectiva que o visitante tem dessa experiência e ajudam-nos a perceber os diferentes comportamentos.

3. O contexto físico: a arquitectura e o ambiente do edifício, o design das exposições, as lojas, cafés/restaurantes e WCs, os espaços para descansar, são todos factores que determinam a qualidade da visita.

Falk e Dierking consideram que a experiência do visitante é a constante interacção entre os contextos pessoal, social e físico. No que diz respeito ao contexto físico, George Hein, no seu livro
Learning in the Museum, faz concretamente referência ao conforto dos visitantes como um dos pré-requisitos na construção de um ambiente e de uma experiência que cria as condições para se aprender algo.

Quem pode desfrutar de uma exposição quando se sente cansado e não tem onde se sentar, quando tem fome, calor ou frio, quando não encontra o WC ou quando este não está em condições? São todos elementos aparentemente secundários, mas significativos para a qualidade da experiência que se pretende proporcionar, porque a condicionam.

Penso que encontramos os mesmos três contextos em qualquer experiência cultural, onde o factor ‘conforto’ acaba também por sempre influenciar a qualidade da mesma. A autora d´ O Blog do Desassossego fez um post no mês passado intitulado "
Do Teatro", onde se lê: “(…) O problema é que as peças têm sempre mais uma hora do que aquilo que deviam. Geralmente quando é intervalo já deviam estar a acabar. Mas não, leva-se com a pastilha de mais uma hora e meia de uma história que podia ser contada em menos tempo. E depois já não tenho posição nas cadeiras, já me dói tudo, já bocejo, já só quero sair dali (…)”. A duração de um espectáculo, o poder saber antecipadamente da mesma, a existência de intervalo, a temperatura da sala, o conforto das cadeiras são elementos que determinam a qualidade da experiência, tanto ou, para alguns espectadores, até mais que a qualidade do próprio espectáculo. Confesso que já uma ou duas vezes optei por não ver os espectáculos da Cornucópia sabendo que, dada a duração dos mesmos, a partir de um determinado momento seria incapaz de seguir a acção no palco e só pensaria no desconforto das cadeiras, na dor nas pernas e prestaria atenção aos restantes espectadores em constante mudança de posição à procura do dito conforto. Também no CCB tento sempre adquirir um bilhete para um lugar na coxia, dada a falta de espaço para as pernas de uma pessoa de estatura média, como a minha; assim como levo sempre um casaco porque quase sempre o ar condicionado está virado para o frio. O mesmo acontece com a opção da bancada no palco em vários espectáculos na Culturgest ou no Teatro Maria Matos, onde, para além da falta de espaço para as pernas, somos obrigados à uma proximidade física com pessoas desconhecidas que nem todos desejamos. (Deixo os outros falar dos confortos e desconfortos no teatro onde trabalho. Sei que existem.)

Há uma outra possibilidade ainda: quando a longa duração de um mau espectáculo contribui para o nosso desconforto total: físico, psicológico, intelectual. Na quinta-feira passada, as cadeiras confortáveis do grande auditório da Culturgest não foram suficientes para aliviar o desconforto total criado pela peça
O Inferno de Mónica Calle. E, enquanto a avaliação da qualidade de um espectáculo tem sempre algo de subjectivo, o mesmo não se pode dizer da duração do mesmo (3 horas) e da falta de intervalo. Metade dos espectadores saiu durante o espectáculo. Os resistentes, que não saíram ou porque apreciaram a proposta da criadora ou porque tiveram vergonha de sair e por respeito ao esforço das actrizes em palco (é claramente o meu caso), viram a encenadora saltar para o palco assim que o espectáculo acabou. Reconheceu que metade da sala tinha saído, dada a duração do espectáculo, e a seguir virou-se e agradeceu às actrizes. Extremamente cansada e irritada, achei esta intervenção infeliz. A criadora deveria ter igualmente reconhecido que o espectáculo tinha sido demasiado longo e que deveria ter havido um intervalo, dando aos espectadores, a quem não se lembrou de agradecer, a oportunidade de descansar ou… de fugir, sem remorsos.

Monday 1 November 2010

Em Londres

Na semana da pausa escolar, o chamado half term, Londres estava cheia de gente. Para além dos milhares de turistas estrangeiros que enchem todos os dias as suas ruas e os seus museus, as famílias inglesas aproveitam muitas vezes esta semana para viajar até à capital e para visitar as várias exposições.

Os museus pareciam centros comerciais em época de saldos. As filas, o barulho, a quantidade de pessoas tornavam a visita uma tortura em museus como o Natural History Museum, o Imperial War Museum ou a Tate Modern. Os parques, menos procurados pelos turistas e muito aproveitados pelos londrinos, permitiam-nos respirar fundo, descansar e contemplar as cores deslumbrantes do Outono.

Entre tudo o que vi, destaco duas coisas. A primeira é a escultura “Sunflower seeds” (sementes de girassol) do artista chinês
Ai Weiwei, instalada no Turbine Hall da Tate Modern.
Mao Tse Tung era representado como o sol e o povo chinês como girassóis que se viravam para ele. Ao mesmo tempo, Ai Weiwei recorda-se da partilha de sementes de girassol como um gesto de amizade, compaixão e gentileza naqueles tempos de dor, repressão e incerteza. O museu coloca-nos ainda outras questões: o que significa ser um indivíduo na sociedade de hoje em dia? Somos insignificantes ou impotentes, a não ser que actuemos em conjunto? O que significam para a sociedade, o ambiente e o futuro os nossos crescentes desejos, materialismo e número? Mais informações sobre esta obra aqui e também um vídeo relacionado com a sua criação aqui.

O segundo destaque vai para as esculturas ao ar livre do artista
Anish Kapoor, que compõem a exposição Turning the World Upside Down.
 

Colocadas nos Kensington Gardens, as esculturas reflectem o céu, as árvores, as pessoas que por ali passeiam e que pausam para as contemplar. Parece que redimensionam o espaço que nos envolve e voltam a projectá-lo. As peças ficarão expostas até à primavera e acompanharão as mudanças do tempo e das estações. Mais informações sobre esta exposição aqui.

Cem milhões de sementes de porcelana, cada uma criada individualmente por mais de 1600 artesãos. Uma obra que se pode classificar como ‘bonita’ ou ‘impressionante’, mas que, à medida que a vamos descobrindo, através dos textos e vídeos, começa a ganhar outras dimensões. “A arte é uma ferramenta para colocar novas questões. Criar uma estrutura básica que pode estar aberta a muitas possibilidades é a parte mais interessante do meu trabalho. Quero que as pessoas que não percebem o que é arte percebam o que faço”, diz o artista e conhecido activista. Esta peça traz referências da antiquíssima arte chinesa da porcelana, mas também da Revolução Cultural, durante a qual